Manche Filme existieren in unserem Gedächtnis als weichgezeichnete Postkartenmotive, als harmlose Wohlfühlgeschichten für verregnete Sonntagnachmittage. Claude Berris Adaption von Anna Gavaldas Bestseller gilt gemeinhin als genau solch ein Werk. Doch wer heute mit kühlem Blick auf die Besetzung Von Zusammen Ist Man Weniger Allein schaut, erkennt hinter der Fassade aus Pariser Altbaucharme und kauzigen Mitbewohnern eine bittere soziologische Studie über die prekäre Existenz in Europa. Es ist ein Irrtum zu glauben, dieser Film sei lediglich eine romantische Komödie. In Wahrheit handelt es sich um eine radikale Darstellung von Isolation und ökonomischem Druck, getragen von Schauspielern, deren Rollenwahl weit über das Offensichtliche hinausging. Die Wahl der Akteure war kein Zufall, sondern eine gezielte Provokation gegen das französische Starkino jener Jahre, indem sie fragile Außenseiter in das Zentrum einer Gesellschaft rückte, die sie eigentlich längst aussortiert hatte.
Ich erinnere mich gut an die Premiere im Jahr 2007. Die Kritik feierte den Film als Rückkehr zur Menschlichkeit, doch kaum jemand sah die politische Sprengkraft, die in der Zusammenstellung dieses Ensembles lag. Es ging nie nur um ein bisschen Einsamkeit. Es ging um das Scheitern des Staates an der Basis. Camille, gespielt von Audrey Tautou, ist nicht einfach nur schüchtern. Sie ist das Gesicht einer verarmten akademischen Schicht, die nachts Büros reinigt, um tagsüber ihre Leidenschaft für die Kunst unterdrücken zu müssen. Tautou, die damals noch fest im Korsett der fabelhaften Welt der Amélie gefangen war, nutzte diese Gelegenheit, um das Bild der süßen Kindfrau zu zertrümmern. Sie spielte Camille mit einer fast körperlichen Auszehrung, die zeigt, dass Selbstverwirklichung im modernen Kapitalismus ein Luxusgut ist.
Die Besetzung Von Zusammen Ist Man Weniger Allein als Spiegel gesellschaftlicher Brüche
Wenn man die Dynamik zwischen den Charakteren analysiert, wird klar, warum die Besetzung Von Zusammen Ist Man Weniger Allein so präzise funktioniert. Guillaume Canet als Franck ist nicht der klassische Liebhaber. Er verkörpert den wütenden Proletarier, der in der Gastronomie verheizt wird. Sein Charakter ist ein permanentes Mahnmal für die Arbeitsbedingungen in einer Branche, die von Selbstausbeutung lebt. Canet bringt eine Aggressivität in den Film, die das harmonische Bild der Wohngemeinschaft immer wieder stört. Er ist der Sand im Getriebe der bürgerlichen Idylle. Das ist kein Zufallsprodukt eines Casting-Direktors, sondern die bewusste Entscheidung, die Härte der Arbeitswelt in das Wohnzimmer zu holen.
Skeptiker mögen einwenden, dass der Film am Ende doch ein Happy End liefert und damit alle systemkritischen Ansätze entwertet. Man könnte behaupten, die Geschichte flüchte sich in eine private Utopie, statt echte Lösungen anzubieten. Doch das greift zu kurz. Das Happy End ist hier kein Kitsch, sondern ein Akt des Widerstands. In einer Welt, die auf Individualismus und Konkurrenz setzt, ist die Gründung einer freiwilligen Wahlfamilie eine fast revolutionäre Tat. Die Protagonisten finden nicht zueinander, weil sie sich so sehr lieben, sondern weil sie alleine schlichtweg untergehen würden. Die Gemeinschaft ist eine Überlebensstrategie, kein romantisches Ideal.
Die Rolle der Philibert Marquet de la Durbandière
Laurent Stocker lieferte als Philibert eine Leistung ab, die in der damaligen Zeit oft als bloße komische Erleichterung missverstanden wurde. Der stotternde Aristokrat, der in einer riesigen, aber baufälligen Wohnung lebt, ist jedoch das wichtigste Puzzleteil in Berris soziologischem Experiment. Er repräsentiert das alte Europa, das zwar noch über Raum und Geschichte verfügt, aber unfähig ist, in der modernen Realität zu kommunizieren. Philibert ist die Brücke zwischen der Vergangenheit und der prekären Gegenwart. Er besitzt das Kapital in Form von Immobilien, doch erst durch den Einzug der mittellosen Camille und des hart arbeitenden Franck wird dieser Raum mit Leben gefüllt. Es ist eine Parabel auf die Umverteilung von Ressourcen, die ohne staatliche Hilfe, rein auf menschlicher Ebene stattfindet.
Françoise Bertin und das Tabu des Alterns
Ein oft übersehener Aspekt ist die Darstellung von Paulette, Francks Großmutter. Françoise Bertin spielte diese Rolle mit einer Würde, die den Schmerz über den Verlust der Autonomie spürbar machte. Hier wird ein Thema angeschnitten, das wir in der Unterhaltungsindustrie meistens verdrängen: die Abschiebung der Alten. Die Entscheidung, Paulette in die Wohngemeinschaft zu integrieren, bricht mit dem gesellschaftlichen Konsens, dass Pflege ein Problem für Institutionen sein sollte. Es ist der radikalste Moment des Films. Indem diese jungen, mit sich selbst beschäftigten Menschen eine sterbende Frau aufnehmen, heilen sie ein Stück weit die Entfremdung der Generationen.
Man kann die Kraft dieser Erzählung nur verstehen, wenn man begreift, dass die beteiligten Künstler hier ein System der gegenseitigen Abhängigkeit porträtierten, das unserem Ideal der Unabhängigkeit diametral entgegensteht. Wir werden ständig dazu erzogen, niemanden zu brauchen. Uns wird eingeredet, dass Erfolg bedeutet, auf eigenen Beinen zu stehen. Die Charaktere in dieser Geschichte beweisen das Gegenteil. Sie sind erst dann erfolgreich, wenn sie ihre Schwäche zugeben und sich aufeinander verlassen. Das ist eine bittere Pille für eine Gesellschaft, die Schwäche als Makel begreift.
Die Regiearbeit von Claude Berri unterstützte diese These durch eine fast dokumentarische Nüchternheit in den Innenräumen. Es gibt keine übertriebenen Ausleuchtungen oder künstliche Dramatisierung. Die Enge der Wohnung spiegelt die Enge der Lebensentwürfe wider. Man spürt förmlich den Geruch von altem Staub und billigem Wein. Diese Authentizität ist es, die den Film von den unzähligen Kopien unterscheidet, die später versuchten, das Konzept der unkonventionellen Wohngemeinschaft zu kopieren. Während andere Filme nur das Szenario nutzten, um Witze zu generieren, ging es hier um die nackte Existenzangst.
Es ist nun mal so, dass wir uns gerne von der Oberfläche blenden lassen. Wir sehen Audrey Tautou und denken an Romantik. Wir sehen Paris und denken an Urlaub. Aber die Besetzung Von Zusammen Ist Man Weniger Allein fordert uns auf, genauer hinzusehen. Camille ist keine Prinzessin, sie ist eine Frau am Rande des Nervenzusammenbruchs. Franck ist kein charmanter Rebell, er ist ein erschöpfter Arbeiter. Philibert ist kein skurriler Adliger, er ist ein einsamer Mann mit einer Sozialphobie. Erst in der Kombination ihrer Defizite entsteht eine Form von Stärke, die keinem von ihnen alleine zugänglich gewesen wäre.
Diese Erkenntnis ist heute aktueller denn je. In Zeiten steigender Mieten und zunehmender Vereinsamung in den Großstädten wirkt die Wohngemeinschaft aus dem Film fast wie eine Blaupause für ein alternatives Zusammenleben. Doch wir sollten uns nicht täuschen lassen. Was dort gezeigt wird, ist kein freiwilliger Lifestyle-Entwurf aus einem Hochglanzmagazin. Es ist eine Notgemeinschaft. Das ist die unbequeme Wahrheit, die hinter den schönen Bildern steckt. Der Film zeigt uns nicht, wie toll es ist, mit Fremden zusammenzuwohnen. Er zeigt uns, dass wir keine Wahl haben, wenn wir als Menschen überleben wollen.
Man kann dieses Werk als Kammerspiel betrachten, das die großen Krisen der Moderne auf ein paar Quadratmeter Parkettboden komprimiert. Die schauspielerische Leistung besteht darin, diese Schwere niemals zur Schau zu stellen, sondern sie in den kleinen Gesten des Alltags verschwinden zu lassen. Ein gemeinsames Abendessen wird so zu einem diplomatischen Akt, das Putzen der Wohnung zu einer Form der Therapie. Es gibt keine großen Reden über Solidarität. Es gibt nur das Handeln. Das ist eine Form von erzählerischer Intelligenz, die man im zeitgenössischen Kino oft vergeblich sucht.
Oft wird gefragt, warum gerade diese Verfilmung einen so bleibenden Eindruck hinterlassen hat, während andere Bestseller-Adaptionen schnell in Vergessenheit gerieten. Der Grund liegt in der Ehrlichkeit gegenüber dem Schmerz. Wenn Camille fast verhungert, dann ist das keine poetische Melancholie, sondern eine reale Gefahr. Wenn Franck vor Erschöpfung fast zusammenbricht, dann fühlen wir den Druck der 60-Stunden-Woche in unseren eigenen Knochen. Die Distanz zwischen Zuschauer und Leinwand wird aufgehoben, weil die Probleme der Figuren unsere eigenen sind.
Wer heute behauptet, die Geschichte sei naiv, verkennt die Härte der Realität, die sie darstellt. Es ist eine Erzählung für diejenigen, die wissen, dass das Leben kein Ponyhof ist. Die Besetzung spiegelt eine Welt wider, in der man sich gegenseitig stützen muss, um nicht im Treibsand der Belanglosigkeit und Armut zu versinken. Das ist keine seichte Unterhaltung, sondern eine Bestandsaufnahme der europäischen Seele zu Beginn des 21. Jahrhunderts.
Wir schauen oft auf solche Filme, um zu entfliehen, aber am Ende werden wir mit uns selbst konfrontiert. Wir sehen unsere eigenen Ängste vor dem Altern, unsere eigene Angst vor dem beruflichen Scheitern und unsere tiefe Sehnsucht nach echter Verbindung. Das Ensemble gibt diesen abstrakten Ängsten ein Gesicht. Es zeigt uns, dass die Lösung nicht im großen politischen Entwurf liegt, sondern im Kleinen, im Zwischenmenschlichen, im Unvollkommenen. Das ist die eigentliche Botschaft, die man hinter der Fassade entdecken kann.
Wer diesen Film nur als Romanze sieht, hat nicht begriffen, dass jede Umarmung in diesem Haus ein mühsam erkämpfter Sieg gegen eine kalte Welt ist.
